大家好，我是千树。今天我要给大家介绍一位日本的新锐设计师——佐佐木俊，他在去年获得了日本平面设计师协会（JAGDA）的新人赏，可谓现在日本风头最盛的新一代设计师之一。佐佐木俊的设计极具自己的风格。我们先来看一些他的作品感受一下大胆又新颖的设计风格。

在我们眼里，佐佐木先生的作品是非常个性化的，可是佐佐木俊却并不认为自己的作品是“个性化”的，甚至认为他本人也并不是一个“有个性”的人。他的那些所谓的个性作品也只是在解读了客户的委托之后，自然而然产生的反应而已。他并不认同设计师应该要特意地去做出非常个性化的作品，设计应该是面对课题的「反应」。那么下面我们就尝试地去解析一下，佐佐木俊这位天才设计师面对不同的提案，他做出的反应是怎么样的？

不难发现，佐佐木俊经常会在他的作品里使用大量鲜艳明亮的色彩。有一些人可能会认为佐佐木俊所使用的这些亮色是华而不实的色彩，可是佐佐木俊其实并没有刻意的去使用这些鲜明的色彩，大多数情况下都是在客户的述求下去使用的，慢慢地使用得多了，也就形成了所谓的「自己的风格」了。

除此之外，佐佐木俊在一次访谈中提及了他使用鲜艳配色的另一个考量。现在的人们都习惯于从电脑、手机等电子媒介上获取资讯，而这一些电子屏幕都是以RGB的色彩模式去展现颜色的。所以佐佐木俊在设计书籍封面等印刷品的时候，也经常有意地去使用饱和度非常高的色彩，去模拟电子屏幕中的RGB色彩，让网络世界与现实世界形成一种奇妙的连接。

除了使用鲜艳明亮的色彩之外，佐佐木俊作品的另一个特点是经常会使用一些色块去构建画面和传达某些理念。

相信大家对这两张海报都不陌生，这就是佐佐木俊为东京国立近代美术馆工艺馆所设计的展览海报。我看到这两张海报的时候，可能由于受到展览主题「（居）场所」的影响，这橙色和绿色的色块给我的感觉就像是户型平面图的轮廓。可是在听了佐佐木俊的讲座之后，发现佐佐木俊在做这张海报的时候，似乎不仅仅是基于这样的考量。

东京国立近代美术馆工艺馆平时经常展出的都是壶、瓶子等金属器皿，吸引的都是一些年纪偏大的中老年人来参观。为了吸引更多的年轻人来参观，所以佐佐木俊特地设计了这样的动态海报，而我们平时经常看到的那两张海报是动态海报某个瞬间的截图。

在展馆的附近有许多宣传展板，这些宣传板的尺寸差异非常大，可是由于色块的存在，使得这个海报具有非常强的兼容性，无论是什么样的尺寸，都能保证视觉上的统一。

在一些作品里，佐佐木俊会利用不同的色块拼凑成一些简单的图案。例如这一组设计，是佐佐木俊为了自己的展览《SUPER DUPER PAPER DRIVER》所设计的。佐佐木俊在上学时期没有去学车和考驾照，而工作之后却一直没能有机会去学，这成了他的一个遗憾，“如果能有驾照就好了，想去哪里就去哪里。”由于佐佐木俊是一位平面设计师，他希望在平面上实现他的这个遗憾，所以他设计了这样一组车的图案，虽然他没有驾照，但是他可以用墨水在纸上驾车驰骋。

这张海报是佐佐木俊为了宣扬反对暴力而设计的一张海报。一般来说，反对暴力我们一般会使用橄榄枝、和平鸽等象征和平的物品。可是佐佐木俊一直有个疑惑，这些象征和平的东西真的就能带来和平吗？还是说那只是设计师的自我感动而已？所以佐佐木俊就抛开了这些所谓的和平意向，更直接地用象征着锤子、人等的图案去表达反对暴力的概念。

《夜空总有最大密度的蓝色》是诗人最果タヒ的一本诗集，后来导演石井裕也将诗集改编成同名电影。诗集的设计与电影海报都是由佐佐木俊所设计的，两者都是由不同颜色的圆形所组成去保证视觉的统一性。不同的是，诗集用的是整齐排列的圆形，象征着印刷在纸面上的安静的诗集。而电影海报则是将圆形不规则地排列去展示动感，象征着电影的动态画面。

我认为佐佐木俊的作品第三个非常突出的特点在于字体设计上。佐佐木俊的许多作品都会使用非常夸张的字体设计，而这些文字很多都是夸张到几乎不能识别的字体。佐佐木俊在一次访谈中透露，他是有意地去探寻文字可识别的边界。因为识别性高的文字虽然很容易读，可是也会显得有些无聊，难以吸引受众的目光。反而是那种识别度比较低的文字，更加能吸引到受众的目光，能让受众停下脚步去细细品味。

这是佐佐木俊为一座寺庙所设计的挂饰。一般寺庙里的这种挂饰都是用毛笔在卷轴上书写上警醒人们的诗句，而书写并不是佐佐木俊的长项。于是佐佐木俊就思考，对于他来说，他的擅长的「毛笔」是什么？他就想到平时他都是用Ai来进行创作的，那么Ai不就是他擅长的笔和墨吗？Ai按着shift键的话，可以画出垂直、水平、45°等角度的线条，于是他就用Ai设计了这么一组矢量的毛笔字。并将矢量的文字印刷在用于书写毛笔字的卷轴上，这样就能形成一种特殊的冲突感。

这里需要先提及一位佐佐木俊的伯乐及最佳拍档——诗人最果タヒ。在佐佐木俊还未成名之前，最果タヒ便在网络上相中了佐佐木俊的设计，并委托他为自己出版的诗集、随笔、小说等读物进行书籍设计。最果タヒ对于自己的诗有着独特的理解，她认为诗被诗人所写出来并不算是最终的完成，只是半成品而已，诗集只有被人阅读之后，像一面镜子一样，让读者能从诗中认清自己，这才是诗的完成。所以最果タヒ对于佐佐木俊甚少提出要求，甚至连一句修改意见都未曾提及过。

最果タヒ这样的理念与佐佐木俊的设计理念便不谋而合了。佐佐木俊认为设计作品能给不同的观者以不同的联想，是他对设计的追求。给不同人不同的联想，那么观者才能更容易地在阅读时找到属于自己的那面镜子。下面我们来看一些佐佐木俊给最果タヒ设计的一些作品。

这一本是最果タヒ的一本诗集，中文译名叫做《爱的接缝在此处》。佐佐木俊为了展示接缝的概念，在这本诗集的封面设计上加入了许多的线条。可是当佐佐木俊把设计成品拿给最果タヒ看的时候，最果タヒ并没有联想到接缝，而是联想到了水的波纹。他再拿给其他人看，而其他人却认为线条让他们联想到了密集的血管。对此，佐佐木俊不但没有感到懊恼，反而为此而高兴，因为这正符合了他让不同人得到不同联想的设计追求。

这是最果タヒ的另一本诗集。这本诗集的名字还挺抽象的，大概的意思是天堂与空闲的状态。而佐佐木俊的设计理念也非常的抽象，他希望能展示出宇宙那样非常宏大的概念，又想要展示出像显微镜里看到的细微场景，有时候又会想要展现像石头一样的普通的概念。于是他设计出了这样融合了宇宙、显微镜与石头的封面。

佐佐木俊认为非日常与非日常的东西结合，那是属于艺术的范畴。而设计师并非纯粹的艺术家，所以设计师的职责在于将日常与非日常的结合。

佐佐木俊除了为最果タヒ设计书籍封面之外，还存在着一些别的合作。例如佐佐木俊曾为最果タヒ的诗集展览进行了视觉设计。

在日本的街道上，经常能看到这样形状各异的指示牌。而佐佐木俊这次的设计灵感正来源于此。因为佐佐木俊认为，道路旁的这些指示牌是属于非常日常化的物件，并且是全世界都能碰见的东西。而诗歌对于大多数普通人来说，他并不属于是日常的东西，诗歌是文学的，高雅的，也是日常生活中并不太常见的事物。

所以佐佐木俊就诞生了将日常的道路指示牌与非日常的诗歌进行结合的想法，从而设计出了这些有趣的诗歌展板。另外这些诗歌的展板还有一个非常有趣的点。佐佐木俊在设计展板的时候，并没有去考虑诗歌本身的内容，直接就开始进行设计了。甚至连文字的阅读性佐佐木俊也没有进行过多的考虑，他纯粹的把诗歌的文字当做是画面的某种元素来编排而已。他这么做是为了迎合最果タヒ“诗被诗人所写出来并不算是最终的完成”的理念，佐佐木俊对这些诗歌和展板的设计也只是诗歌的某一部分的完成。

最果タヒ的诗集除了在展览上展示之外，佐佐木俊还将诗集印在了道路上。佐佐木俊特地将诗集印在一些狭窄的小路上，因为在日本，这些小路是非常常见，极具生活气息的小路。日常化的小路与非日常的诗集又能形成日常与非日常的对比。而且具有哲学意义的诗句也能给麻木生活的人们一些精神上的警醒。

这个也是也是佐佐木俊将日常和非日常进行结合的一个典型作品。这是日本乐队Tokyo Health Club一首单曲《ASA》的封面，歌曲的主题是早安。牙膏和牙刷，面包配牛奶是关于早晨的固定搭配，可是佐佐木俊认为这太过日常了，会有些无聊。所以他就反了过来，将牙膏挤在面包上，牙刷放进牛奶里，这样便形成了日常与非日常的结合了。

尽管佐佐木俊不肯承认自己的设计是个性化的或者是超前的，可是在观看他的作品时，我们肯定也能够感受到他超前的思维。佐佐木俊在给自己的工作室起名的时候，也起了“AYOND”这样一个名字，意思是比“Beyond（领先）”还要再领先一些。可见佐佐木俊对设计先进性的追求。

可是为什么佐佐木俊会说自己的设计作品不是个性化的呢？我想大概是因为他非常在意作品的可落地性，他曾说过当他接到一个提案时，他总能很快就把大概的设计做出来了，可是他会花大量的时间去解决设计落地的细节。所以设计作品并不是为了个性而个性，好的设计作品应该是在解决实际问题的情况下，再去实现设计师的个性。好了，今天就到这了，我们下次再见。

资料参考：

[1] 佐佐木俊个人主页 https://sasakishun.tumblr.com/

[2] 佐佐木俊讲座，公众号「NEUE」

[3] https://sheishere.jp/interview/202001-saihatesasaki/2/

[4] https://note.com/designscramble/n/n2b2d825eb4e1

[5] https://hon-hikidashi.jp/enjoy/121029/






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